Wystawa &nbsp;„Traktat o rozpakowywaniu sztuki” jest &nbsp;zwieńczeniem realizowanego od ponad dziesięciu lat internetowego działania video-performatywnego artUNBOXING, które artysta, rozszerzył również na inne obszary sztuki. Demokratyzacja dostępu do kultury wraz z rozwijanym się dynamicznie rynkiem sztuki z jego zmiennymi trendami powoduje &nbsp;utowarowienie potencjału sztuki i sprowadzenie jej do funkcjonowania opartego na zasadach popytu i sprzedaży. Ekspozycja ma na celu skłonić odbiorców do refleksji, &nbsp;jaką rolę pełni sztuka w obecnych czasach &nbsp;i jakie ma znaczenie dla współczesnych społeczeństw pogrążonych w bezrefleksyjnym konsumpcjonizmie. Autor krytycznie przygląda się nowym zjawiskom poszerzonego pola sztuki, bada konteksty art-brandingowe, celebrytyzację i obecność influencing’u. Jednocześnie to w tych obszarach szuka szansy na zdemokratyzowanie sztuki i uwrażliwienie społeczne. Analizuje aspekty estetyki postinternetowej i performatykę &nbsp;mediów społecznościowych, obserwując jednocześnie powiększające się alternatywne obiegi sztuki zdalnej. Użyte w tytule wystawy “rozpakowywanie sztuki” odnosi się do stworzonego przez artystę cyklu video-performance, który udostępniał na platformie YouTube. Seria tych prac inspirowana jest przez unboxing - internetowy gatunek wideo (wygenerowany przez użytkowników sieci), którego główną treścią jest rozpakowywanie produktów, zazwyczaj znanych i drogich, a następnie recenzowanie ich wyglądu oraz działania. Typowe dla unboxing’ów przedmioty to: telefony komórkowe, torebki, ekskluzywne buty. Artysta przed kamerą otwiera zakupione przez siebie &nbsp;dzieła sztuki, przedmioty sygnowane przez artystów lub gadżety z wystaw dokonując jednocześnie ich performatywnego przejęcia. Miejsce: Państwowa Galeria Sztuki w SopocieRok: 2024Kuratorka: Mariola Balińska&nbsp;więcej informacji: <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://pgs.pl/filip-ignatowicz-traktat-o-rozpakowywaniu-sztuki/" style="text-decoration: underline; text-underline-offset: 2px;">https://pgs.pl/filip-ignatowicz-traktat-o-rozpakowywaniu-sztuki/</a> ________________________________________________________________ The exhibition titled “Treatise on artUNBOXING” is the culmination of the Internet video performance that the Artist has been producing for over a decade, extending it also into other spheres of art. The democratisation of the access to culture, combined with the dynamically developing art market and its varying trends, commoditise the potential of art and reduce it to following the principles of supply and demand. The exposition is intended to make the audience reflect on the current role that art plays, and on its significance for the contemporary societies that are drowned in thoughtless consumption. The Author scrutinises the new phenomena of the broadened sphere of art, investigates art-branding contexts, and the celebrity status and presence of the influencers. Meanwhile, these are the spheres where the Author is seeking for an opportunity to make art democratic and the society sensitive. The post-internet aesthetics and the social media performance have been studied while the expanding circles of remote (online) art have been observed by the Artist. The term of “artUNBOXING” used in the title of the exhibition refers to the sequence of video performances that the Artist presented on YouTube. This work series was inspired by unboxing – Internet video genre (created by net users) with the main theme that involved unpacking products, usually known and expensive, and reviewing their image and function/operation. Items typical for unboxing include mobile phones, handbags, and luxurious footwear. The Artist unpacks the purchased works of art, the items signed by artisans or gadgets from exhibitions, thus carrying out the performance-like act of entering into the possession of the items. Location: State Gallery of Art in SopotYear: 2024Curator: Mariola BalińskaMore information: <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://pgs.pl/filip-ignatowicz-traktat-o-rozpakowywaniu-sztuki/" style="text-decoration: underline; text-underline-offset: 2px;">https://pgs.pl/filip-ignatowicz-traktat-o-rozpakowywaniu-sztuki/</a>

TRAKTAT O ROZPAKOWYWANIU SZTUKI / TREATISE ON ARTUNBOXING

SKUP SZTUKI, WYSTAWA INDYWIDUALNA (POP-UP) Filipa IgnatowiczKurator: Przemysław ŁopacińskiGaleria w Ruchu (Stocznia Cesarska- Gdańsk, 80-863 ul. Popiełuszki)Wernisaż wystawy: 21.07.2024 o godz.: 18:00 Wystawa "SKUP SZTUKI" jest ironicznym projektem, swego rodzaju malarsko-performatywnym pastiszem, który eksploruje rolę sztuki w dobie społeczeństwa konsumpcyjnego. Projekt składa się z dwóch zestawów obrazów. Na tych pierwszych przedstawieniem jest jedynie wymalowana informacja o wymiarach płótna wyrażona w metrach lub centymetrach kwadratowych z podanymi wymiarami. Drugim cyklem są prace zachowujące się jak bannery, z funkcjonującym numerem telefonu do tytułowego fikcyjnego skupu, naśladujące estetykę polskich domorosłych “grafików komputerowych” i małomiasteczkową bannerozę. Wszystko to sprawia, że wystawa przybiera tutaj formę kuriozalnej oferty.W dobie społeczeństwa konsumpcyjnego, sztuka w coraz bardziej otwarty sposób staje się towarem podlegającym prawom rynku. Projekt SKUP SZTUKI podkreśla ten aspekt, przekształcając potencjalne dzieła i teksty kultury w surowiec- w metry kwadratowe płótna, co symbolizuje ich redukcję do wartości materialnej.&nbsp;Jednocześnie, ekspozycja odnosi się do demokratyzacji kultury. Ironiczne podejście do powszechnego poczucia wyrafinowania czy bogactwa świata sztuki ma sprawiać wrażenie dostępności. Dlatego to dobra okazja by rozpocząć swoją przygodę ze sztuką- obserwując skupowanie obiektów niezależnie od ich estetycznych wartości (bo coraz częstszym jest patrzenie na twórczość jak na towar inwestycyjny, niczym internetowe tokeny). Informacja o wymiarach płótna podkreśla wpływ zasad rynku na dzieła i strategie artystów.&nbsp;Ten zestaw prac jest rozszerzony także o akcyjne mini-aspekty biurokratyczne, które nawiązywać będą w swojej kwintesencji do pierwszego artysty-firmy, czyli Witkacego. Całościowo ekspozycja stworzy w zasadzie poliptyczną scenografię dla performance’u, który ożywi tytułowy "skup sztuki"- miejsce, gdzie wartość dzieł jest monetyzowana ze względu na płaszczyznę, a nie estetykę, (czasem też ze względu na kaprys skupującego). Działanie performatywno-partycypacyjne polegać będzie na rzeczywistym uruchomieniu SKUPU SZTUKI na jeden wieczór. Stanowi to rodzaj rozszerzenia wcześniejszych działań związanych z traktowaniem cytowanej sztuki innych jako tworzywa (artUNBOXING). Podczas wernisażu widzowie będą mogli przynieść swoje prace i "sprzedać" je w skupie niczym złom albo butelki zwrotne, do czego gorąco zachęcamy, jednak zastrzegamy, że środki skupującego są ograniczone. W dodatku proponowane ceny na pewno nie będą uczciwe, bo nie będą zbliżać się do tego jak chcielibyśmy, żeby praca twórcza była wyceniana. Po więcej informacji odsyłamy do regulaminu SKUPU SZTUKI.Zrealizowano ze środków Miasta Gdańska w ramach Stypendium Kulturalnego. ____________________________________________________________ ART COLLECTION POINT, A SOLO EXHIBITION (POP-UP) by Filip Ignatowicz&nbsp;Curator: Przemysław Łopaciński&nbsp;Galeria w Ruchu (Imperial Shipyard - Gdańsk, 80-863 Popiełuszki Street) Exhibition opening: 21.07.2024 at 18:00The "ART COLLECTION POINT" exhibition is an ironic project, a kind of painterly-performative pastiche that explores the role of art in a consumer society. The project consists of two sets of paintings. The first set features only the painted information about the canvas dimensions, expressed in square meters or centimeters, with the measurements provided. The second set consists of works that behave like banners, with a functioning phone number for the titular fictional collection point, mimicking the aesthetics of Polish amateur "graphic designers" and small-town banner advertising. This all contributes to the exhibition taking the form of a bizarre offer.In the era of consumer society, art increasingly becomes a commodity subject to market rules. The ART COLLECTION POINT project emphasizes this aspect by transforming potential artworks and cultural texts into raw materials – square meters of canvas, symbolizing their reduction to material value.Simultaneously, the exhibition refers to the democratization of culture. The ironic approach to the common sense of sophistication or wealth in the art world is intended to create a sense of accessibility. Therefore, this is a good opportunity to start your adventure with art – observing the collection of objects regardless of their aesthetic value (as it's becoming more common to view creativity as an investment commodity, like online tokens). The information about the canvas dimensions highlights the influence of market rules on artworks and artists' strategies.This set of works is also expanded with bureaucratic mini-aspects, referencing the first artist-company, Witkacy, in their essence. Overall, the exhibition will create a polyptych-like set design for a performance that will bring the titular "art collection point" to life – a place where the value of works is monetized based on surface area, not aesthetics (sometimes also based on the collector's whim). The performative-participatory action will involve the actual operation of the ART COLLECTION POINT for one evening. This serves as an extension of previous activities related to treating cited art by others as material (artUNBOXING). During the opening, viewers will be able to bring their works and "sell" them at the collection point like scrap or returnable bottles, which we strongly encourage, though we note that the collector's funds are limited. Additionally, the proposed prices will certainly not be fair, as they will not come close to how we would like creative work to be valued.For more information, please refer to the ART COLLECTION POINT regulations.Realized with funds from the City of Gdańsk as part of the Cultural Scholarship.

SKUP SZUTKI / ART COLLECTION POINT

Filip Ignatowicz – Ćwiczenia z rynku, influencingu i sztuki współczesnej Wystawa indywidualna Otwarcie i finisaż: 13.12.2024, godz. 19:00Galeria Grafika, ASP Gdańsk, ul. Chlebnicka 13/16Wystawa Filipa Ignatowicza to krytyczne, a zarazem autoironiczne spojrzenie na współczesną kulturę konsumpcyjną, media społecznościowe i rynek sztuki. Artysta eksploruje mechanizmy, które kształtują percepcję sztuki w społeczeństwie zdominowanym przez spektakl i autoprezentację. Głównym elementem wystawy są malarskie atrapy ikon współczesnej sztuki, takie jak „Rabbit” Jeffa Koonsa, „Comedian” Maurizio Cattelana, czy dynia Yayoi Kusamy. Wycięte w charakterystyczne kształty blejtramy na pierwszy rzut oka imitują oryginały, ale przy bliższym spojrzeniu ujawniają swoją podróbkową naturę, podkreślając fetyszyzację dzieł sztuki jako inwestycyjnego kapitału i symboli statusu.W ramach wystawy Ignatowicz prezentuje także „artOPOLY” – pastisz kultowej gry Monopoly. Plansza gry, zamiast ulic, zawiera nazwy najdroższych dzieł sztuki, takich jak „Salvator Mundi” Leonarda da Vinci czy „For the Love of God” Damiena Hirsta. Mechanika gry oraz jej elementy stają się metaforą rynkowych spekulacji, które sprowadzają sztukę do jej wartości finansowej. Innym ciekawym elementem są „pseudo-myśliwskie trofea” – tabliczki z nazwami dzieł i ich rekordowymi cenami, które pełnią funkcję edukacyjną, wprowadzając odbiorców w realia rynku sztuki.Ignatowicz porusza również tematykę kultury autopromocji i wpływu mediów społecznościowych na percepcję twórczości. Instalacje z atrapami telefonów i podświetlanych pierścieni LED do nagrywania wizerunku nawiązują do kultury influencerów i ich narracji sukcesu. Wideo-performance „YouTube HALL OF FAME” imituje styl materiałów typu challenge, badając atrakcyjność współczesnych mediów. Dodatkowo, artysta wprowadza w przestrzeń wystawienniczą prace wideo generowane przy użyciu modeli AI, ukazujące nierealne przestrzenie galeryjne i eksplodujące „white-boxy”.Estetyka prac Ignatowicza, inspirowana internetem i mediami społecznościowymi, sprawia, że wystawa jest przyjazna i zrozumiała dla szerokiej publiczności. Wystawa powstała dzięki wsparciu finansowemu Województwa Pomorskiego, a jej przestrzeń wręcz wypełniona jest nowymi realizacjami, które oddają wrażenie przebodźcowania – celowy zabieg artysty, zachęcający do refleksji nad miejscem sztuki w dynamicznej rzeczywistości współczesności. _____________________________________________________________ Filip Ignatowicz – Exercises in Market, Influencing, and Contemporary Art Solo Exhibition Opening and closing: December 13, 2024, 7:00 PM Galeria Grafika, Academy of Fine Arts, Gdańsk, Chlebnicka Street 13/16Filip Ignatowicz's exhibition is a critical and self-ironic exploration of consumer culture, social media, and the art market. The artist delves into the mechanisms shaping the perception of art in a society driven by spectacle and self-presentation. Central to the exhibition are painted replicas of iconic contemporary artworks, such as Jeff Koons' “Rabbit,” Maurizio Cattelan's “Comedian,” and Yayoi Kusama's pumpkin. These cut-out canvases mimic the shapes of the originals but ultimately reveal their imitative nature, critiquing the fetishization of art as an investment and status symbol.One of the highlights is “artOPOLY,” a parody of the Monopoly board game. The game board replaces streets with the names of the most expensive artworks, such as Leonardo da Vinci's “Salvator Mundi” and Damien Hirst's “For the Love of God.” The gameplay and accompanying content offer a commentary on the commodification of art and its reduction to financial speculation. Another feature includes “pseudo-hunting trophies” – plaques displaying famous artworks along with their market-breaking prices, providing an educational context for those less familiar with the art world.Ignatowicz also addresses the culture of self-promotion and the impact of social media on artistic perception. Installations featuring phone replicas and illuminated LED rings reference influencer culture and its narratives of success. The video-performance “YouTube HALL OF FAME” mimics challenge-style influencer content to investigate the appeal of modern media. Additionally, the artist presents AI-generated video works showcasing imaginary gallery spaces and exploding “white-boxes.”With an aesthetic inspired by the internet and social media, the exhibition is accessible and engaging for a broad audience. Supported by funding from the Pomeranian Voivodeship, the exhibition space is packed with new works that amplify the sense of overstimulation—a deliberate strategy encouraging reflection on art's place in a fast-paced, consumer-driven world.

INFLU-EXERCISES / INFLU-ĆWICZENIA

JACKPOT - wystawa indywidualna, Galeria Stan Surowy, Sopot, 2025 JACKPOT to wystawa będąca kumulacją moich prac i rozważań nad mechanizmami konsumpcji, współczesnym rynkiem sztuki, viralowością oraz dopaminowo-hazardową otoczką blind boxów, mystery boxów i loteryjnych obietnic szybkiej gratyfikacji. Punktem wyjścia były wielkoformatowe obrazy będące przeskalowanymi, malarskimi atrapami realnych zdrapek. W tym rozmiarze tanie przedmioty masowego pożądania zaczynają przypominać reklamowe potykacze i wizualne komunikaty krzyczące: „kup więcej”, „spróbuj jeszcze raz”. Wystawa rozwija napięcia pomiędzy wygraną i porażką, oryginałem i atrapą, sztuką wysoką i popkulturą. Interesuje mnie hazardowy aspekt posiadania i kolekcjonowania, znany zarówno z kasyna, jak i z mechanizmów sprzedaży Labubu, Kinder Niespodzianek czy innych produktów opartych na losowości. Przesuwam ten model w pole sztuki, pytając, kiedy kolekcjonowanie zamienia się w grę inwestycyjną, a dzieło z obiektu budującego wrażliwość staje się elementem dywersyfikacji portfela. W JACKPOT pojawia się również temat „młodej sztuki” i losowości artystycznego sukcesu. Wystawa trwała do dnia moich 35. urodzin, wieku, który w wielu open callach, grantach i programach stypendialnych symbolicznie kończy status „młodego artysty”. Projekt stał się więc także rodzajem rytuału przejścia i autoironiczną próbą zmierzenia się z pytaniem, co dzieje się wtedy, gdy kończy się instytucjonalnie definiowana młodość. Integralną częścią wystawy były działania artUNBOXING, performance’y realizowane do kamery, obiekty malarskie, zdrapki wykonane w technice sitodruku, maszyna kapsułowa oraz quasi-loteria kończąca się turystycznym scamem. Całość funkcjonowała jak konsumpcyjny festyn, w którym sztuka, produkt, ryzyko, ambicja i obietnica „rozbicia banku” nieustannie zamieniały się miejscami. ________________________________________________________________ JACKPOT - solo exhibition, Stan Surowy Gallery, Sopot, 2025 JACKPOT is an exhibition that brings together my ongoing reflections on mechanisms of consumption, the contemporary art market, virality, and the dopamine-driven, gambling-like logic of blind boxes, mystery boxes and lottery promises of instant gratification. Its starting point was a series of large-scale paintings based on enlarged, painterly substitutes for real scratch cards. At this scale, cheap objects of mass desire begin to resemble advertising boards and visual messages shouting: “buy more”, “try again”. The exhibition develops tensions between winning and losing, original and substitute, high art and pop culture. I am interested in the gambling aspect of ownership and collecting, familiar both from casinos and from products such as Labubu, Kinder Surprise and other forms of consumption based on chance. I shift this logic into the field of art, asking when collecting becomes an investment game and when an artwork changes from an object that shapes sensitivity into an instrument for diversifying a financial portfolio. JACKPOT also addresses the category of “young art” and the randomness of artistic success. The exhibition continued until my 35th birthday, an age that, in many open calls, grants and scholarship programmes, symbolically marks the end of being classified as a “young artist”. The project therefore became a kind of rite of passage and a self-ironic attempt to confront what happens when institutionally defined youth comes to an end. The exhibition also incorporated artUNBOXING performances made for the camera, painted objects, screen-printed scratch cards, a capsule vending machine and a quasi-lottery that ultimately revealed itself as a tourist scam. Together, these elements formed a consumer carnival in which art, product, risk, ambition and the promise of hitting the jackpot constantly exchanged places.

JACKPOT

KUNSTDROGERIE czyli DROGERIA SZTUKI w KUNSTRAUM BERLIN Kurator: Volker ScheurerMiejsce: Kunstraum Berlin, Hauptstr. 77, Stierstra&szlig;e 22, 12159 Berlin &ndash; FriedenauOtwarcie: sobota 21.10.2023 o godzinie 19:00Wystawa czynna w dniach: 21-29.10.2023 W ramach wystawy prezentowano premierowe prace z cyklu malarskich atrap (malowanych substytut&oacute;w przedmiot&oacute;w konsumpcyjnych- w tym przypadku drogeryjnych- gł&oacute;wnie detergenty, proszki i żele pod prysznic). Do pokazywanych prac dołączyło także kilka ready-made&rsquo;&oacute;w w postaci banner&oacute;w sklep&oacute;w sprzedających niemiecki artykuły chemiczne z drugiego obiegu, oraz specjalnie przygotowane na okazję tego wydarzenia, nowe odcinki internetowego działania video-perfromance z cyklu artUNBOXING. Zaprezentowana zostanie r&oacute;wnież pralka z cyklu obiekt&oacute;w BOSCH CROSSBRANDING. Na pokazie po raz pierwszy upubliczniony zostanie cykl artystycznych proszk&oacute;w do prania fakeowej marki PURE.Na potrzeby wystawy cała galeria została zamieniona na nieistniejący sklep z chemią.Wystawa ideowo wpisuje się w artystyczne poszukiwania roli sztuki w dobie konsumeryzmu przez jej autora, kt&oacute;ry za pomocą zbioru tych prac stawia pytanie o pojęcie marki, viralu, komunikacji internetowej i społeczności budowanych za pomocą contentu online, a także ironicznie porusza temat sklep&oacute;w chem-niem bnadal wyraźnie obecnych na polskim rynku.&nbsp;Wystawa zorganizowana we wsp&oacute;łpracy z Wydziałem Malarstwa Akademii Sztuk Pięknych w Gdańsku w ramach zadań kulturalnych.Na wystawie pokazane będą także prace, kt&oacute;re zrealizowano ze środk&oacute;w Miasta Gdańska w ramach Stypendium Kulturalnego. ________________________________________________________________ KUNSTDROGERIE, or ART DROGERY, at KUNSTRAUM BERLIN Curator: Volker ScheurerLocation: Kunstraum Berlin, Hauptstr. 77, Stierstra&szlig;e 22, 12159 Berlin &ndash; FriedenauOpening: Saturday, 21.10.2023 at 19:00Exhibition dates: 21-29.10.2023 The exhibition featured premiere works from the series of painted replicas (substitutes of consumer goods, in this case, drugstore items&mdash;mainly detergents, powders, and shower gels). Alongside these works, several ready-made pieces were presented in the form of banners from shops selling second-hand German chemical products. Specially prepared for this event, new episodes of the internet video-performance series artUNBOXING were also shown. Additionally, a washing machine from the BOSCH CROSSBRANDING series was exhibited. For the first time, the exhibition will publicly unveil the series of artistic laundry powders from the fake brand PURE.For the exhibition, the entire gallery was transformed into a fictional chemical store.&nbsp;The show aligns with the artist&#39;s exploration of the role of art in the age of consumerism, using these works to question the concepts of branding, virality, online communication, and communities built through online content. It also ironically addresses the theme of German chemical shops that remain prominent in the Polish market.The exhibition was organized in collaboration with the Faculty of Painting at the Academy of Fine Arts in Gdańsk as part of cultural initiatives.&nbsp;The show also includes works funded by the City of Gdańsk as part of the Cultural Scholarship.

KUNSTDROGERIE

&quot;LET&#39;S PLAY&quot; to pokaz premierowych prac z cyklu video-performance artUNBOXING, kt&oacute;re rozbudowały działanie o nowy (poza unboxingiem) YouTube&#39;owy gatunek- tytułowy let&#39;s play. Na wystawie, poza pracami video zaprezentowanymi w formie instalacyjnej znalazło się także kilka premierowych realizacji rysunkowo-malarskich wraz z nowymi obiektami, skupionymi wok&oacute;ł tematyki gaming&#39;owej, a szczeg&oacute;lnie mainstreamowego tekstu kultury i platformy (lub kulturowego walca asymilującego wszelkie możliwe treści i wypluwającego je jak gumę do żucia) jaką jest gra Fornite od EPIC GAMES. Były to: cykl rysowanych skin&oacute;w z Fortnite według oficjalnego przewodnika, malarskie atrapy voucher&oacute;w na V-Dolce, oraz instalacja składająca się z czapki zdobytej na wystawie Basquiata w Albertinie we Wiedniu. Ostatniego dnia wystawy odbyła się akcja performatywna w ramach, kt&oacute;rej widzowie obecni na wystawie mogli wejść w interakcję i razem z artystą uczestniczyć w tytułowym LET&#39;S PLAY podczas wsp&oacute;lnych rozgrywek typu battle royale. Fragment tekstu kuratorskiego:Na internetowych portalach można przeczytać, że w 2023 roku w grę Fortnite grało około 25 milion&oacute;w ludzi dziennie, a loguje się do niej ponad 250 milion&oacute;w os&oacute;b miesięcznie. Profil tej gry, na najpopularniejszej platformie wideo, ma 11,5 milion&oacute;w subskrybent&oacute;w. Takie informacje zazwyczaj są mało przydatne dla badacza sztuki wsp&oacute;łczesnej. Sztuka i rozrywka multimedialna, wydają się toczyć innymi torami. Nic bardziej mylnego. Ich, nie tak rzadkie, skrzyżowania wnikliwie bada dr Filip Ignatowicz. W tym celu sam loguje się, ubiera skiny i dobiera itemy, zgłębiając świat, kt&oacute;ry okazuje się gigantycznym polem do tw&oacute;rczych eksperyment&oacute;w. wernisaż wystawy: 02.09.2023wystawa czynna: 03-15.09miejsce: PATIO &ndash; Akademia Sztuk Pięknych w Gdańsku kuratorka: Kinga Jarockaorganizacja: Sebastian Choromański &nbsp; ________________________________________________________________ &quot;LET&#39;S PLAY&quot; is a showcase of premiere works from the video-performance art cycle UNBOXING, which expanded its activity into a new (beyond unboxing) YouTube genre - the titular let&#39;s play. In addition to the video works presented in an installation format, the exhibition also featured several premiere drawing and painting realizations along with new objects, focused around gaming themes, particularly the mainstream cultural text and platform (or cultural bulldozer assimilating all possible content and spitting it out like chewing gum) that is the game Fortnite by EPIC GAMES. These included: a series of drawn Fortnite skins according to the official guide, painted replicas of V-Bucks vouchers, and an installation consisting of a cap obtained at the Basquiat exhibition at the Albertina in Vienna. On the last day of the exhibition, a performative action took place during which viewers present at the exhibition could interact and participate together with the artist in the titular LET&#39;S PLAY through collective battle royale gameplay. Excerpt from the curatorial text:On internet portals, one can read that in 2023, about 25 million people played Fortnite daily, with over 250 million logging in monthly. The profile of this game on the most popular video platform has 11.5 million subscribers. Such information is usually of little use to a contemporary art researcher. Art and multimedia entertainment seem to move on different tracks. Nothing could be further from the truth. Their, not so rare, intersections are meticulously examined by Dr. Filip Ignatowicz. To this end, he logs in himself, dresses up in skins, selects items, delving into a world that turns out to be a gigantic field for creative experiments. Exhibition opening: September 2, 2023Exhibition dates: September 3-15Venue: PATIO &ndash; Academy of Fine Arts in Gdańsk Curator: Kinga JarockaOrganization: Sebastian Choromański

LET'S PLAY

PIZZA PROFANUM - wystawa indywidualna, Villa d'Arte Toscana, Nicciano, Włochy, 2024 PIZZA PROFANUM powstała podczas rezydencji artystycznej w Villa d'Arte Toscana i została pokazana tam jako wystawa indywidualna kuratorowana przez Volkera Scheurera. Punktem wyjścia stała się pizza, jednocześnie jeden z najbardziej rozpoznawalnych symboli włoskiej kultury i globalny produkt, który w wersji przemysłowej, mrożonej i zoptymalizowanej do masowej sprzedaży bardzo daleko odchodzi od swojego lokalnego pierwowzoru. Na wystawie prezentowałem malarskie atrapy opakowań mrożonych pizz. Każdy obiekt powstaje na możliwie tradycyjnym podobraziu, w skali 1:1 odpowiadającej rzeczywistemu produktowi. Nie próbuję jednak tworzyć idealnego falsyfikatu. Obrazy zachowują ślady ręcznego malowania i funkcjonują raczej jak celowo nieco nieudolne podróby, które z daleka mogą zostać pomylone z towarem, ale z bliska ujawniają swoją malarskość i całkowitą bezużyteczność konsumpcyjną. Tytułowe PROFANUM dotyczy procesu, w którym kulturowy symbol zostaje utowarowiony, multiplikowany, opakowany i przystosowany do globalnej dystrybucji. Pizza przechodzi tu drogę od tradycji i lokalnej tożsamości do produktu dostępnego w niemal identycznej formie w zamrażarkach supermarketów na całym świecie. Pokazanie tych prac właśnie we Włoszech wzmacniało napięcie między oryginałem a substytutem, lokalnością a globalną konsumpcją, kulturowym sacrum a jego komercyjnym odpowiednikiem. PIZZA PROFANUM jest jednocześnie kontynuacją mojej strategii tworzenia malarskich atrap przedmiotów konsumpcyjnych. Interesuje mnie moment, w którym produkt przestaje być produktem, ale nadal zachowuje jego kolor, skalę, branding i wizualną atrakcyjność. Powstałe obrazy są dla mnie substytutami konsumpcji i elementami vividowego pejzażu współczesności, w którym granica pomiędzy dziełem sztuki, opakowaniem i towarem pozostaje celowo nieostra. ________________________________________________________________ PIZZA PROFANUM - solo exhibition, Villa d'Arte Toscana, Nicciano, Italy, 2024 PIZZA PROFANUM was developed during an artist residency at Villa d'Arte Toscana and presented there as a solo exhibition curated by Volker Scheurer. Its starting point was pizza, both one of the most recognisable symbols of Italian culture and a global commodity which, in its industrial, frozen and mass-market form, has travelled a long way from its local origins. The exhibition presented painted substitutes for frozen pizza packaging. Each object is made on a relatively traditional painting support and follows the 1:1 scale of the actual product. I am not interested, however, in producing a perfect counterfeit. The paintings retain visible traces of manual production and function more like deliberately imperfect fakes which, from a distance, may be mistaken for commodities, but reveal their painterly nature and complete consumer uselessness when viewed up close. The PROFANUM of the title refers to the process through which a cultural symbol becomes commodified, multiplied, packaged and adapted for global distribution. Pizza moves from tradition and local identity towards a product available in almost identical form in supermarket freezers around the world. Presenting these works in Italy intensified the tension between original and substitute, locality and global consumption, cultural sacrum and its commercial counterpart. PIZZA PROFANUM also continues my broader strategy of creating painterly substitutes for consumer objects. I am interested in the moment when a product ceases to be a product while retaining its colour, scale, branding and visual appeal. These paintings function for me as substitutes for consumption and as elements of the vivid landscape of contemporary life, where the boundary between artwork, packaging and commodity remains deliberately unstable.

PIZZA PROFANUM

CHEM-NIEM, wystawa indywidualna Filipa Ignatowiczakurator: Przemysław ŁopacińskiGaleria w Ruchu (Stocznia Cesarska- Gdańsk, 80-863 ul. Popiełuszki)Wernisaż wystawy: 22.06.2024 o godz.: 20:30 Projekt CHEM-NIEM skupia się tematycznie na zjawisku importowania artykuł&oacute;w chemicznych (detergent&oacute;w, proszk&oacute;w i mydeł) z Niemiec i ich resellingu z zyskiem, zgodnie z potwierdzoną faktami wiarą, że przez lata na natywnym dla nich rynku te same marki oferowały produkty o lepszym i bardziej nasyconym składzie (a często i w lepszej cenie). Prawdopodobnie właśnie przez to sklepy typu &ldquo;Chemia z Niemiec&rdquo; na stałe wpisały się w polski krajobraz. Moje obrazy w kioskowej Galerii w Ruchu, wraz z bannerami (swoistymi ready-made&#39;ami) oraz dedykowanym szyldem tworzą scenografię właśnie takiego fake&#39;owego, chemicznego sklepu. Jednak, co zabawne, zdecydowana większość tego projektu rzeczywiście przyjechała do nas z Niemiec, ostatni raz zestaw tych prac pokazywany był podczas wystawy KUNSTDROGERIE (DROGERIA SZTUKI), kt&oacute;ra miała miejsce w Kunstraum Berlin w 2023 roku. Tam skupiałem się na tym, aby odwr&oacute;cić kierunek importowego wektoru tych produkt&oacute;w i przyjrzeć się relacji Polsko-Niemieckiej i odwrotnie za pomocą zjawiska &ldquo;chem-niem&rdquo;. Pokaz na terenach Stoczni Gdańskiej to bardziej realizacja site-specific, bo ideowo zadaje pytanie o proces gentryfikacji i komercjalizacji przestrzeni historycznych, symbolicznych. Fascynacja produktem i zjawiskiem utowarowienia towarzyszy mojej tw&oacute;rczości od około 2011 roku i najczęściej wyraża się w projektach brandowanych autorską marką FIGNACY&amp;co. Malowanie malarskich atrap produkt&oacute;w i towar&oacute;w w skali 1:1, to strategia jaką realizuję od 2016/2017 roku. Moje art-produkty każdorazowo powstają na tradycyjnie przygotowanym podobraziu &mdash; pł&oacute;tnie naciągniętym na specjalnie dociętym do kształtu blejtramie. Tak powstałe obrazy stają się nie tylko trompe l&#39;oeil &mdash; obrazami posiadającymi z odległości cechy iluzyjne, ale przede wszystkim stanowią wnikliwą weryfikację pejzażu konsumerycznego i rodzaj substytutu konsumpcyjnego. _____________________________________________________________ **CHEM-NIEM**, a solo exhibition by Filip Ignatowicz &nbsp;Curator: Przemysław Łopaciński &nbsp;Galeria w Ruchu (Imperial Shipyard - Gdańsk, 80-863 Popiełuszki Street) &nbsp;Exhibition Opening: June 22, 2024, at 8:30 PM The **CHEM-NIEM** project thematically focuses on the phenomenon of importing chemical products (detergents, powders, and soaps) from Germany and reselling them at a profit. This practice is based on the widely accepted belief, confirmed by facts, that over the years, the same brands offered products with better and more concentrated formulas (often at better prices) in their native German market. This is likely why stores such as &quot;Chemicals from Germany&quot; have become a staple in the Polish landscape. My paintings in the kiosk-based Galeria w Ruchu, along with banners (a kind of ready-mades) and a dedicated sign, create the scenery of such a fake chemical store. However, amusingly, the majority of this project indeed came to us from Germany. This set of works was last shown during the **KUNSTDROGERIE (ART DRUGSTORE)** exhibition at Kunstraum Berlin in 2023. There, I focused on reversing the import vector of these products and examining the Polish-German relationship and vice versa through the &quot;chem-niem&quot; phenomenon. The display at the Gdańsk Shipyard area is more of a site-specific realization, as it ideologically questions the process of gentrification and commercialization of historical, symbolic spaces. My fascination with products and the phenomenon of commodification has accompanied my work since around 2011, most often expressed in projects branded with my proprietary brand **FIGNACY&amp;co.** Painting life-size artistic replicas of products and goods has been a strategy I have pursued since 2016/2017. My art-products are always created on traditionally prepared canvases &mdash; stretched on custom-cut stretcher bars to match the shape. These paintings not only become trompe l&#39;oeil &mdash; paintings with illusory characteristics from a distance, but they also serve as a detailed examination of the consumer landscape and a kind of consumptive substitute.

CHEM-NIEM

FIGNACY FREEDOM STORE - wystawa indywidualna, instalacja site-specific, 100cznia, Gdańsk, 2019 FIGNACY FREEDOM STORE to wystawa indywidualna zrealizowana w kontenerze na terenach postoczniowych w Gdańsku, w ramach NIEFESTIWALU MIASTO I SZTUKA // MOJA WOLNOŚĆ organizowanego przez Centrum Sztuki Współczesnej ŁAŹNIA. Kuratorką projektu była Kinga Jarocka. Punktem wyjścia było stworzenie i wyhype'owanie fikcyjnego brandu, sklepu, w którym granica pomiędzy sztuką a produktem zostaje celowo zatarta. Wszystkie dostępne w nim przedmioty funkcjonowały jako obiekty zawieszone pomiędzy dziełem, gadżetem, pamiątką i towarem. Ich wspólnym tematem były wolność, solidarność, transformacja, poczucie polskości oraz symboliczny i historyczny kontekst Stoczni Gdańskiej. W sklepie można było znaleźć groteskowe pamiątki z Gdańska, przedmioty komentujące współczesne formy protestu i politycznej identyfikacji, instruktażowe obiekty stylizowane na produkty użytkowe, a także realizacje odwołujące się do anonimowości, aktywizmu i pamięci miejsca. W ten sposób język handlu detalicznego, brandingu i ekspozycji produktu został użyty do zadania pytań o możliwość utowarowienia wartości, które pozornie powinny pozostawać poza logiką rynku. Czy hasła, które kiedyś miały moc jednoczenia ludzi i obalania opresyjnych systemów, mogą dziś funkcjonować jak marki i produkty? Jaki jest smak wolności? Czy można wycenić postawę solidarności? FIGNACY FREEDOM STORE budował swoją narrację właśnie na tym napięciu, pomiędzy patosem pojęć a ich potencjalnym przekształceniem w atrakcyjny, gotowy do sprzedaży towar. Jednym z obiektów prezentowanych na wystawie był STREJKFORKLIMATET BANNER, kartonowy multipl stylizowany na pseudo-ikeowski produkt umożliwiający przygotowanie własnego transparentu na protest ekologiczny. Praca odnosiła się do aktywizmu Grety Thunberg jako współczesnego identity kitu, zestawu symboli, postaw i komunikatów, które mogą jednocześnie budować polityczną podmiotowość i funkcjonować w obiegu wizualnym podobnym do brandingu. ________________________________________________________________ FIGNACY FREEDOM STORE - solo exhibition, site-specific installation, 100cznia, Gdańsk, 2019 FIGNACY FREEDOM STORE was a solo exhibition presented inside a shipping container in the former Gdańsk Shipyard area, as part of NOT ANOTHER PUBLIC ART FESTIVAL // ART AND THE CITY // MY FREEDOM, organised by the Center for Contemporary Art ŁAŹNIA. The project was curated by Kinga Jarocka. The starting point was the creation and deliberate hype-building of a fictional brand, a store in which the boundary between artwork and product was intentionally blurred. Every item available inside functioned somewhere between an artwork, gadget, souvenir and commodity. The common themes were freedom, solidarity, political transformation, Polish identity and the symbolic and historical context of the Gdańsk Shipyard. The store offered grotesque souvenirs from Gdańsk, objects commenting on contemporary forms of protest and political identification, instructional works styled as consumer products, and pieces referring to anonymity, activism and the memory of the site. In this way, the language of retail, branding and product display was used to ask whether values that appear to exist outside the logic of the market can themselves become commodified. Can slogans that once had the power to unite people and overthrow oppressive systems now function as brands and products? What does freedom taste like? Can solidarity be given a price? FIGNACY FREEDOM STORE constructed its narrative precisely around this tension, between the symbolic weight of these ideas and their potential transformation into attractive, marketable commodities. One of the works presented in the exhibition was STREJKFORKLIMATET BANNER, a cardboard multiple styled as a pseudo-IKEA product designed to help its user construct a protest banner for an environmental demonstration. The work referred to Greta Thunberg's activism as a contemporary identity kit, a set of symbols, attitudes and messages capable of building political identity while simultaneously circulating through visual culture in a manner similar to branding.

FREEDOM STORE

FIGNACY&amp;co. - projekt artystyczny i cykl wystaw FIGNACY&amp;co. to projekt, w którym z artysty zamieniam się w firmę, instytucję, przedsiębiorstwo i markę. Pod jednym szyldem łączę różne obszary własnej twórczości, tworząc rodzaj artystycznej oferty prezentowanej w formule sklepu, standu lub ekspozycji produktów. Pojawiają się w niej obiekty, opakowane prace malarskie, video prezentowane jak w kinie, art-produkty, design oraz inne realizacje, które mogą funkcjonować jednocześnie jako dzieła i elementy fikcyjnego asortymentu. Projekt stale się rozwija i odnosi do rzeczywistości społeczeństwa konsumentów. Interesuje mnie granica pomiędzy sztuką a produktem oraz pytanie, czy znak równości można postawić również pomiędzy galerią sztuki a galerią handlową. Żyjąc pośród ofert, reklam i produktów sami coraz częściej stajemy się markami, towarami i sprzedawcami własnego wizerunku. Dlatego jednym z powracających elementów wystaw FIGNACY&amp;co. jest monidło, rodzaj dużego opakowania lub ramy, do której widz może wejść i zrobić sobie zdjęcie, symbolicznie zamieniając również siebie w produkt. Największą realizacją projektu była wystawa WIELKIE OTWARCIE w Wielkiej Zbrojowni w Gdańsku, zajmująca całą przestrzeń historycznego pasażu. W czasie remontu budynku pasaż pozostawał zamknięty dla mieszkańców, jednak na jeden dzień został ponownie otwarty i zamieniony w fikcyjną galerię handlową FIGNACY&amp;co. Wernisażowi towarzyszyło symboliczne przecięcie czerwonej wstęgi, a sam wcieliłem się w rolę prezesa firmy oprowadzającego publiczność po sklepie. Aktorzy pełnili funkcje ochroniarzy i kasjerów, wzmacniając iluzję rzeczywiście działającego przedsiębiorstwa. W ciągu jednego dnia przestrzeń odwiedziło ponad tysiąc osób. Widzowie wchodzili do wnętrza, brali sklepowe wózki i dopiero stopniowo odkrywali, że znajdują się nie w sklepie, lecz wewnątrz artystycznego environmentu. Szczególnie istotnym kontekstem realizacji był fakt, że kilka lat wcześniej dokładnie w tym miejscu funkcjonował supermarket Biedronka. FIGNACY&amp;co. przejmuje więc język handlu, promocji i ekspozycji produktu, aby użyć go do budowania sytuacji, w której sztuka i konsumpcja stają się niemal nierozróżnialne. ________________________________________________________________ FIGNACY&amp;co. - art project and series of exhibitions FIGNACY&amp;co. is a project in which I transform myself from an artist into a company, institution, enterprise and brand. Under a single name, I bring together different areas of my practice, creating a kind of artistic offer presented in the form of a shop, retail stand or product display. The project includes objects, packaged paintings, video works presented as if in a cinema, art-products, design and other works that can function simultaneously as artworks and as elements of a fictional commercial range. The project is continuously evolving and reflects on the reality of consumer society. I am interested in the boundary between artwork and product, and in whether an equation can also be made between an art gallery and a shopping mall. Surrounded by offers, advertising and commodities, we increasingly become brands, products and salespeople of our own image. For this reason, one recurring element of FIGNACY&amp;co. exhibitions is a large photo stand-in resembling product packaging, which viewers can enter and photograph themselves inside, symbolically turning themselves into a commodity as well. The largest manifestation of the project was GRAND OPENING at the Great Armoury in Gdańsk, occupying the entire historic passage of the building. At the time, the passage was closed to the public due to renovation works, but for one day it was reopened and transformed into a fictional FIGNACY&amp;co. shopping gallery. The opening included a ceremonial cutting of a red ribbon, while I took on the role of company president and guided visitors through the store. Actors performed as security guards and cashiers, reinforcing the illusion of a fully operating commercial enterprise. During that single day, more than a thousand people entered the space. Visitors picked up shopping carts and only gradually realised that they were not inside a store, but within an artistic environment. An important context for the project was the fact that several years earlier the same passage had housed a Biedronka supermarket. FIGNACY&amp;co. therefore appropriates the language of retail, promotion and product display in order to construct situations in which art and consumption become almost indistinguishable.

FILIP IGNATOWICZ - PORTFOLIO